“Una forma de resistencia”. Luis García Montero.

“Una forma de resistencia”.

Es el último libro que ha publicado el escritor granadino y que como todas sus obras nos abre a un momento de reflexión.

Os dejo también el enlace con su página oficial en la que encontraréis artículos y comentarios muy interesantes.

Luis García Montero  nació en la ciudad de Granada en 1958. Cursó estudios en el colegio de los Escolapios, pasando de éste a la Universidad en cuya facultad de Filosofía y Letras se licenciaría en 1980 y en la que se doctoró poco más tarde con una tesis sobre el recientemente desparecido Rafael Alberti, con quien sostuvo una duradera amistad. En la actualidad es profesor titular del departamento de Teoría de la Literatura de la Universidad de Granada. Además de un poeta de prestigio internacional, es ensayista y columnista de opinión.

Noticias relacionadas

Portada de Una forma de resistencia

Una forma de resistencia

Luis García Montero   http://www.luisgarciamontero.com/blog/

En un mundo dominado por lo material pero en el que, paradójicamente, las cosas han perdido su valor, Luis García Montero emprende, con elegancia, ironía y gran sensibilidad, este hermoso inventario. Repasa y revisa algunas de sus pertenencias, guiado por la necesidad de «tocarlas una a una, como un deseo de rebeldía, como una forma de resistencia».

«Los banqueros cuentan sus beneficios, los políticos sus votos y los poetas sus cosas. Cuentan y recuentan las cosas en las que se quedó enredada su vida. En los días de meditación y soledad, de vagabundeo doméstico, tomo conciencia de que tengo la casa llena de cosas. No se trata exactamente de que me importe tirar cosas, sino de que tengo inclinación a conservar las cosas que son mi casa. Para no confundir una fiesta con un acto de barbarie, conviene pensar lo que se desecha cuando se tira la casa por la ventana. Las cosas con capacidad de convertirse en un recuerdo suponen el deseo personal de atender a la vida, de vivir con atención, con amor.»

Pequeñas piezas sobre objetos de uso tan cotidiano que a menudo nos pasan inadvertidos… Una copa, un reloj, una butaca… enseres rutinarios y aparentemente anodinos, todos ellos cobran vida y carácter propio en este hermoso libro que puede abrirse en cualquier página.

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CARACTERÍSTICAS DEL VANGUARDISMO POÉTICO.

He encontrado este enlace donde se recogen de una forma muy clara las principales características del vanguardismo poético (fragmentarismo, influencias de Nietzche y Freud, crítica al positivismo, la importancia de lo lúdico, la dimensión espacial del poema o la interrelación de las artes) publicado por el profesor  Camilo Fernández Cozman de la Universidad de S.Marcos, (Lima).

http://poesianodicenada.blogspot.com.es/2008/09/rasgos-del-vanguardismo-potico.html

lunes, 15 de agosto de 2011

RASGOS DEL VANGUARDISMO POÉTICO

 

 
Las principales características del vanguardismo poético son:
 
1)Fragmentarismo: en el poema modernista no se cuestiona la noción de totalidad; en cambio, en el poema surrrealista o futurista o ultraísta, el fragmento parece emanciparse de la totalidad. Cada verso parece tener independencia respecto del conjunto. Una idea se desarrolla en dos versos y luego se pasa, abruptamente, a otra idea que no tiene conexión con la anterior. Nietzsche es un antecedente, pues sus libros son un racimo de fragmentos;
2)Influencia de Friedrich Nietzsche: el filósofo alemán plantea que no podemos salir de las metáforas. Hay aquí una crítica del paradigma positivista y del racionalismo occidental;
3)Influencia de Sigmund Freud: el creador del psicoanálisis puso de relieve un método para abordar los sueños y los actos fallidos del sujeto. Es decir, le dio un papel fundamental al lenguaje. No se puede entender el surrealismo sin Freud porque el método de la asociación libre es un antecedente de la técnica de la escritura automática, propugnada por los surrealistas.
4)Crítica radical del positivismo: los positivistas decimónicos creían ciegamente en la ciencia; en cambio, los vanguardistas desconfían del discurso científico: los surrealistas creen que la ciencias se equivocó totalmente. Por su parte, los futuristas ven solo el lado lúdico del maquinismo. En contraposición a la ciencia, los vanguardistas revaloraran los discursos del ebrio, del loco y del niño porque poseen otra lógica y son ostensible manifestación de libertad. No hay que olvidar que en el siglo XX le asigna un papel fundamental a la subjetividad en el proceso de conocimiento desde el punto de la vista de la ciencia.
5)Experimentación formal: los vanguardistas son poetas de ruptura y hacen poemas experimentales que buscan cuestionar la lírica tradicional. Experimentan con el lenguaje hasta límites insospechados.
6)El papel de lo lúdico: el juego cumple un rol esencial en esta poesía, pues permite que la comunicación entre emisor y receptor sea más fluida y se elimine toda posible imposición de ideas por parte del emisor. La lectura de un poema, para los surrealistas y creacionistas, debiera considerarse un acto lúdico; pues el receptor tendría que utilizar su imaginación y capacidad lúdica para comprender cabalamente el sentido del texto;
7)Dimensión espacial del poema: el caligrama es un tipo de poema, practicado por Apollinaire y Huidobro, donde se observa la construcción de una figura a partir de la orquestación de las palabras. El poeta vanguardista aprovecha el escandido de los versos para sugerir determinada atmósfera. “La paloma apuñalada en el surtidor” de Guillaume Apollinaire revela una crítica de la atmósfera bélica a partir del uso de la paloma como imagen.
8)Interrrelación de las artes: el cine surge como arte en las últimas décadas del siglo XIX y produce un cambio esencial en la manera de convebir el arte. Tenemos un libro-objeto como 5 metros de poemas. También la noción de montaje esencial en el cine cumple un papel fundamental en el poema vanguardista, pues el poeta emplea materiales de diversa naturaleza y realiza una especie de collage en la página en blanco. Recordemos la “escultura de palabras” del neovanguardista Eielson como una manifestación evidente de la interrelación de las artes.
 

Aquí tenéis un enlace con el Blog del IES. PUERTOCARRERO de Almería.

Su contenido es muy completo y muy accesible. Os recomiendo que lo visitéis. Además de los temas de Lengua y Literatura, que también hemos estudiado en clase, podéis encontrar  recomendaciones y  modelos de comentario de textos corregidos, que os serán muy útiles para ampliar los que ya hemos hecho.

http://2bachilleratolengua.jimdo.com/e-temario-de-literatura-espa%C3%B1ola/

http://2bachilleratolengua.jimdo.com/c-comentarios-de-texto/

UN VIEJO QUE LEÍA NOVELAS DE AMOR.LUIS SEPULVEDA. Lectura 2º Bach.

El iguiente enlace os servirá para completar la lectura  de “Un viejo…..” de este trimestre. Ha sido elaboradopor Cuadernos del Club Universitario de Lectura publicados por la UCLM (Universidad de Castilla La Mancha). Estoy segura que os será de mucha utilidad.

UnViejoLeiaNovelasAmor

EL TEATRO DEL SIGLO XX HASTA 1939

EL TEATRO DEL SIGLO XX HASTA 1939

En este período el desarrollo del teatro español ofrece una clara dicotomía: de una parte, un  teatro que goza del favor de un público burgués y de unos empresarios atentos a sus gustos (el teatro triunfante), y de otra parte un teatro que, tras repetidos intentos de renovación de las formas dramáticas, se estrella contra las barreras comerciales o el gusto establecido (se trata del teatro innovador).
1)    EL TEATRO QUE TRIUNFA
Podemos distinguir varias líneas:
a)    Teatro continuador del Realismo del siglo XIX, renovando algunos aspectos. Su principal representante es Jacinto Benavente, ejemplo claro de las concesiones al público burgués. Su primera obra, El nido ajeno, fue bien recibida por los jóvenes intelectuales, pero mal por la burguesía. Ante esta disyuntiva (ser autor de mayorías o de minorías) Benavente optó por amoldarse a los gustos mayoritarios, y se limita en sus obras a censurar pequeños vicios, sin hacer críticas totales. Sus mejores obras son Los intereses creados y su drama rural La Malquerida. Recibió el premio Nobel en 1922.
b)    Teatro poético en verso, neorromántico y con aportaciones formales del Modernismo, de orientación tradicionalista y muy conservador. Por su temática, es un teatro eminentemente histórico. Destacan Francisco Villaespesa, Eduardo Marquina y, con matices, los hermanos Machado (La Lola se va a los puertos).
c)    Teatro cómico, cuya intención es hacer pasar un buen rato. Es un teatro muy reiterativo en las formas de conseguir el humor: equívocos, juegos de palabras, etc. Destacan los hermanos Álvarez Quintero (representantes del teatro regionalista andaluz, que llevan a escena una Andalucía tópica y sin más problemas que los sentimentales, en obras como El patio o El genio alegre), Carlos Arniches (pintor de las costumbres madrileñas en sus sainetes y creador de la “tragedia grotesca”, donde se aúnan lo risible y lo conmovedor: La señorita de Trevélez) y Pedro Muñoz Seca (inventor de un nuevo género, el “astracán”, una parodia, en verso, del teatro posromántico: La venganza de don Mendo).
2)    EL TEATRO QUE PRETENDE INNOVAR
Los mejores autores de este tipo de teatro fueron Ramón Mª del Valle-Inclán y Federico García Lorca, pero debemos reseñar otros autores que plantearon en España un teatro distinto:
–    Unamuno escribe un teatro de ideas, que presenta los conflictos humanos que lo obsesionaban. Hay, por lo general, poca acción y casi total ausencia de elementos escénicos. Destacan Fedra, El Otro.
–    Jacinto Grau (El señor de Pigmalión) o Ramón Gómez de la Serna (Los medios seres) plantean también experiencias renovadoras.
–    Pedro Salinas (El dictador) y Rafael Alberti (Noche de guerra en el Museo del Prado), de la Generación del 27, incorporan técnicas de vanguardia, en un teatro escrito prácticamente en el exilio.
–    Enrique Jardiel Poncela y Miguel Mihura (este escribe sus Tres sombreros de copa en 1932, pero sólo la estrenaría veinte años más tarde) son los máximos exponentes de un grupo de autores que realizan una interesante labor de renovación en el teatro humorístico. Los dos alcanzan su máxima consideración tras la Guerra Civil.
Nos centraremos en las dos figuras que destacan en el panorama teatral español del siglo XX.
* Valle-Inclán
Ramón Mª del Valle-Inclán es uno de los autores más controvertidos, rigurosos, extravagantes y geniales que ha dado nuestra literatura. Se inició en el Modernismo (con las novelas de la serie de las Sonatas) y continuó, en una etapa intermedia, con las Comedias Bárbaras, híbridos entre novela y drama, difícilmente representables dada su gran longitud, cambios rapidísimos de escenario y extensas acotaciones escénicas. Su última etapa, la más lograda, es la de los esperpentos (cuyo significado habitual era “persona o cosa extravagante, desatinada o absurda”), entre los que sobresalen Divinas palabras y Luces de bohemia, ambas de 1920. El fundamento del esperpento, obras en las que se mezclan lo trágico y lo burlesco, lo encontramos en la escena XII de Luces de bohemia: “España es una deformación grotesca de la civilización europea”, “el sentido trágico de la vida española sólo puede darse con una estética sistemáticamente deformada”; así, de la imposibilidad de la tragedia surge el esperpento. Luces de bohemia escenifica la última noche de vida del poeta Max Estrella, ciego bohemio, pobre y desafortunado, que deambula por las calles de Madrid camino de su muerte, recorriendo diversos lugares y dando cuenta de la crítica situación del país. Otros esperpentos son los recogidos bajo el título de Martes de carnaval (Los cuernos de don Friolera, Las galas del difunto y La hija del capitán).
* Federico García Lorca
García Lorca representa una de las más altas cumbres de la dramática española moderna. Su concepto renovador del arte escénico lo ha convertido en el dramaturgo español más conocido de todos los tiempos, un clásico cuyas obras aún continúan en los repertorios de las más conocidas compañías teatrales de todo el mundo.
Su primera obra teatral, El maleficio de la mariposa, data de 1920. Pero la mayor parte de sus obras teatrales pertenece a los años treinta, época que además coincide con las fechas en que viajó por España con su compañía La Barraca. En el teatro lorquiano la situación dramática surge con frecuencia del enfrentamiento entre autoridad y libertad: la autoridad puede estar encarnada en el orden, en la sociedad, en los padres; la libertad, en el deseo, el instinto, la imaginación. En cualquier caso, ese choque provoca frustración y conflicto.
El teatro de Lorca parte de tres principios: depurar el teatro poético, incorporar las tendencias vanguardistas y acercar el teatro al pueblo. La producción dramática de Lorca es muy variada: desde teatro de títeres y farsas, como el Retablillo de don Cristróbal, el Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín, o La zapatera prodigiosa, hasta dramas históricos, como Mariana Pineda, o un teatro innovador, de raíz surrealista, como El público o Así que pasen cien años. Y, por supuesto, las tragedias, que ocupan un lugar destacado en su producción. Lorca escribió tres tragedias: Bodas de sangre (sobre la pasión amorosa de dos jóvenes separados por odios familiares), Yerma (que recoge la tragedia de una mujer que cifra toda su felicidad en ser madre y, sin embargo, resulta estéril) y La casa de Bernarda Alba (en la que trata el autoritarismo de Bernarda Alba y el deseo de libertad de sus cinco hijas), considerada su obra maestra. Todas ellas se desarrollan en la Andalucía rural y recrean un ambiente donde los sentimientos y la libertad de los individuos chocan contra un muro de intolerancia levantado por la falsa moral.
La mujer es la protagonista principal del teatro lorquiano. Una mujer que representa el ansia de libertad en una sociedad patriarcal y machista, marcada por un destino trágico, por pasiones que se verán condenadas al olvido o al rechazo. Las obras representan la tragedia de toda persona condenada a la frustración en sus deseos más íntimos y a la marginación

LA NARRATIVA ESPAÑOLA HASTA 1939

LUCES DE BOHEMIA . CON GUIÓN DE MARIO CAMUS.

POESÍA AUDIOVISUAL. POETAS DE LA G. 98 Y LA G.27

Pinchando en este enlace podréis disfrutar escuchando canciones de un montón de poemas de autores de la Generación de 98 y del 27  que hemos estudiado. Están acompañados de vídeos e imágenes de la época que os resultarán muy interesantes. Estoy segura de que os gustarán y de que os aportarán bastante información complementaria sobre el momento en que fueron escritos y sobre su significado.

GUÍA DE LECTURA:”UN VIEJO QUE LEÍA NOVELAS DE AMOR” de Pilar Huguet.De Edu.365.Cat

El siguiente enlace os servirá para completar la lectura y entender algunas de las ideas que se desprenden de la misma. Este trabajo ha sido realizado por Cuadernos del Club Universitario de Lectura , publicado por la UCLM.

UnViejoLeiaNovelasAmorPuesto que próximamente tenemos que leer esta estupenda obra de Luis Sepúlveda, aquí tenéis un enlace con una guía didáctica que os puede ayudar bastante.

UnViejoLeiaNovelasAmor


EL TEATRO ESPAÑOL DEL S. XX HASTA 1939

En la segunda mitad del s. XIX, la consolidación de la burguesía como clase dirigente conlleva un cambio de mentalidad. El teatro romántico pasa a un segundo plano frente a la novela realista, que se convierte en el género más adecuado para describir esta nueva sociedad.
A finales del s. XIX el teatro es un espectáculo comercial destinado a entretener al público burgués conservador. Muy pocos empresarios se arriesgan a introducir innovaciones. Sin embargo, una serie de autores intentará llevar a cabo una renovación del teatro, que no culminará hasta la llegada de las Vanguardias a España.
Dentro del panorama español de la época se distinguen dos tendencias: el teatro tradicional y el teatro innovador.
1.TEATRO TRADICIONAL:
Se trata de un teatro comercial, aceptado por el público del momento, mayoritariamente burgués. Su objetivo es distraer al público y no predomina una finalidad crítica o moral.
Desde el punto de vista estilístico , los autores no experimentan. Siguen el mismo estilo teatral de épocas anteriores: lenguaje asequible, ambientes conocidos y personajes de la misma clase social que el público espectador.
Dentro de esta tendencia se diferencian dos corrientes.
1. EL Teatro costumbrista y cómico: Refleja escenas de carácter popular , para divertir al espectador, con lenguaje coloquial o vulgar, que emplea lo andaluz como un rasgo de incultura y como el tonto o el pobre cateto. Destacan los siguientes autores:
Los hermanos Alvarez Quintero, con piezas de ambiente andaluz, como “El patio” o  “Traje de luces.”
Pedro Muñoz Seca, La venganza de D. Mendo, parodia hilarante del drama histórico, donde mueren todos.
Carlos Arniches, El santo de la Isidra, La Señorita de Trevélez, crítica de la juventud burguesa de Madrid
2. La Comedia burguesa. Este tipo de comedia es una crónica dramática de los defectos y virtudes de la burguesía. Se caracteriza por su tono irónico y por presentar personajes arquetípicos que mantienen largas conversaciones y monólogos con un lenguaje elegante e ingenioso. Su máximo representante es Jacinto Benavente, cuya obra más conocida es Los intereses creados: En ella se hace una crítica del positivismo imperante en la época. Muestra cómo en las relaciones sociales, son más importantes los intereses que los afectos.

2. EL TEATRO RENOVADOR:

Frente al espectáculo comercial y conservador preferido por el público, algunos autores presentan obras dramáticas con ideas innovadoras que tuvieron poco éxito y muchas no llegaron a representarse. Entre ellos se encuentra Unamuno, que considera el teatro como un método de conocimiento. Habla de “druma” , tipo de teatro esquemático y austero, en el que sólo tienen cabida los conflictos internos de los personajes.

Valle-Inclán. A él se debe un nuevo concepto del espacio escénico que rompe con la rigidez del momento y que se aproxima al vanguardismo posterior.
Su estilo se caracteriza por un lenguaje rico y expresivo, unas acotaciones detallistas y extensas y el uso de contrastes violentos (lo trágico y lo cómico, situaciones serias y burlescas…).
Incluye un gran número de personajes y lleva a cabo continuos cambios de espacio y de tiempo entre las escenas.
Sin embargo, el aspecto más destacable de sus obras es la creación de la técnica del esperpento, con la que ofrece una visión ridícula y deformada de la realidad. Utiliza lo grotesco como forma de expresión, mediante la distorsión de la realidad y presentando lo extraordinario como verosímil. Así logra causar sorpresa y perplejidad.
Llega a caricaturización de la sociedad; cosifica y animaliza a los seres humanos y los convierte en fantoches o peleles que se muestran insensibles a todo lo que les rodea. Usa diversos recursos: la presencia de la muerte, la moralidad mediante el humor sarcástico, el habla popular…. El ejemplo significativo es Luces de Bohemia
El esperpento consiste en la deformación, en la degradación de la imagen que tenemos de la realidad con el objeto de mostrarnos su verdadero rostro: lo grotesco y absurdo de la vida, de la vida española contemporánea, concretamente. El esperpento es, pues, una forma de enfrentarse con la realidad degradándola, deformándola mediante una serie de procedimientos como:
a)La Distorsión de la realidad, conseguida por dos procedimientos contrarios: el enaltecimiento que encierra una amarga ironía (escena IV, pp. 73 y 82 de Luces de Bohemia en ed. Austral), o bien la degradación (escena II, p. 49).
b) La humanización de animales que nos los presentan como seres humanos o compartiendo la vida con los seres humanos (escena VIII, p. 118).
c) La animalización de los hombres Latino presentado como un buey que da calor, por ejemplo).
d) Cosificación de los hombres, al presentarnos a algunos personajes en función de objetos, despersonalizándolos y degradándolos (escena III, p. 70).
e) Muñequización: deformación de los personajes, que nos son presentados como muñecos, títeres o fantoches (escena II, p. 49 y escena IV, p. 81).
f) Literaturización. Este recurso ya ha sido comentado en otra sección (Origen) y consiste en el uso de material procedente de otras obras propias o no, o bien de personajes extraídos del mundillo de la literatura.
g) El lenguaje también se deforma y retuerce en la obra, mezclando constantemente lo culto y lo popular, los diferentes registros de lengua, usándolo como un mecanismo que identifica y caracteriza a algunos personajes.
El esperpento es la clave en “Luces de Bohemia” . En 15 escenas se desarrolla la última noche de Max Estrella, poeta ciego, y desengañado por la sociedad española de la Restauración, que recorre las calles de Madrid en compañía de su amigo D. Latino de Híspalis,(pág. 352-353), (pág. 201).
El esperpento es el mayor desafío estético y subversivo de Valle Inclán y de la historia del teatro español; es un género que escapa a los encasillamientos habituales de una dramaturgia. Valle, por boca de Max Estrella, lo definió con precisión, o si se quiere, con una imprecisión poética, que acota perfectamente sus terrenos: los héroes tradicionales reflejados en los espejos cóncavos del callejón del Gato. O sea, una deformación ridícula: España es un apéndice grotesco de la civilización occidental. Si lo que Valle pretende satirizar es la realidad de España, el esperpento nace, en consecuencia, como una necesidad estética de radicalidad expresiva frente a una realidad intolerable; la sociedad española es grotesca y esperpéntica y, por lo tanto, grotesca y esperpéntica ha de ser la estética que la retrate.

Federico García Lorca y el Teatro de Vanguardias. Después de los años veinte, las Vanguardias literarias, con su carga de ruptura, renovación y originalidad, llegaron al teatro.
Las obras que se escribían resultaban tan complicadas y “antiteatrales” que a ceces no llegaron a representarse porque su puesta en escena era imposible.
Destacan “Los medios seres” de Ramón Gómez de la Serna y “ Así que pasen 5 años” , de Lorca., obra que él califico como “irrepresentables” por su alto contenido simbólico y surrealista.

Lorca recoge en sus dramas la preocupación y la obsesión por el dolor de vivir. En cuanto al estilo, utiliza un lenguaje sencillo en su afán de conseguir un teatro popular. No obstante, imprime su sello personal y lo llena de metáforas y de simbología. Los símbolos de Lorca se refieren con frecuencia a la muerte, (la luna, el agua, la sangre, el caballo, los metales aluden a la muerte, pero a veces la luna está relacionada con la fecundidad o la belleza, el agua cuando corre representa la vitalidad, y el caballo también puede vincularse con la pasión amorosa. Sus tragedias están enmarcadas en el ámbito rural, estas tragedias suponen una conexión con el Teatro del S. De Oro, puesto que poseen algunos aspectos en común.: la fuerza del amor el honor y la honra, las cancioncillas y la combinación de verso y prosa en los diálogos.
El tema general de estas obras es la lucha de unos personajes contra el orden establecido y las tradiciones para conseguir su libertad. Es, pues, un enfrentamiento entre lo posible y lo deseado, entre la autoridad y la libertad.
“Bodas de sangre”. Asistimos a la fuga de una novia el día de su boda con un antiguo galán. El novio mata a éste y también muere en el conflicto. (recuerda la lectura de la obra.).
“Yerma”.En una sociedad en la que la maternidad es indicio de realización, una mujer, frustrada por el deseo irrealizable de ser madre y la incomprensión de su marido, lo asesina. La obra refleja la fatalidad del destino.
La casa de Bernarda Alba: Una madre, que recientemente ha quedado viuda, lucha por conservar el control de sus hijas frente al deseo de libertad de estas, que se ven obligadas a guardar un luto tan riguroso como absurdo por la muerte del padre. Esta lucha entre la autoridad y la libertad acaba trágicamente en muerte.

LA NARRATIVA DEL SIGLO XX HASTA 1939

Introducción.

La G.98 igual que el Modernismo reacciona contra la literatura realista y el racionalismo positivista de su tiempo y propone una renovación de los géneros tradicionales; las complicadas y extensas descripciones realista se sustituyen por una condensación en muy pocos personajes, la acción se centra alrededor de la mentalidad del protagonista en lugar de los sucesos externos y el diálogo adquiere el mayor protagonismo. Algunas de las características del grupo son:
-Asimilan las corrientes ideológicas irracionalistas ((Shopenhauer, Nietzche ), que parten de que la razón no puede explicar por completo la realidad y valoran más la voluntad y el individualismo) y las nuevas tendencias estéticas del fin de siglo (Romanticismo y Modernismo).
-Reivindicación del paisaje español, sobre todo Castilla, como tema literario.
-Reconocimiento del magisterio de Larra, como precursor de las ideas regeneracionistas y por su capacidad crítica ante la España de su tiempo.
-Preocupación por el futuro de España y la reflexión sobre la necesidad de europeizar España y españolizar Europa.
-Renovación de la lengua literaria: antirretoricismo, ampliación del léxico con el empleo de arcaísmos y cultismos; modernización de los géneros literarios tradicionales (Unamuno crea la “nivola”, Valle-Inclán el esperpento, el ensayo impresionista basado en la descripción de Azorín.).
-La reflexión sobre el paso del tiempo (clásicos tópicos de “tempus fugit”, “Carpe diem”). La soledad necesaria para reflexionar, una actitud de desengaño y pesimismo y el gusto por la vida bohemia.

Destacamos las figuras de : Unamuno, Pío Baroja y Azorín.

UNAMUNO. Miguel de Unamuno, (Bilbao 1864- Salamanca 1936). Por sus ataques al rey Alfonso XIII y a Primo de Rivera, fue condenado a destierro. Al comienzo de la Guerra Civil apoyó inicialmente al bando de los rebeldes, dispuestos a encauzar un país que estaba a la deriva, por medio del nacional catolicismo. Fue nombrado rector de la Universidad de Salamanca, pero cuando más tarde se enfrentó al Régimen de Franco, porque se dio cuenta de que no era lo que él había pensado, fue destituído y pasó los últimos días de su vida bajo arresto domiciliario. Pertenece a la G. Del 98. Escritor y filósofo español, cultivó gran variedad de géneros.
Su temperamento extremo y su inconformismo se reflejan en todas sus obras, pero sobre todo en el ensayo y la novela. Sus novelas están llenas de filosofía y evolucionan desde el realismo como “Guerra y Paz”, hasta un tipo de novela existencial creada por él, a la que denominó “nivola”, porque se apartaba de los cánones para convertirse en el vehículo para expresar sus reflexiones.

“Amor y pedagogía” . Se considera su primera novela de ideas. Cuenta la historia de Don Avito Carrascal que cree que puede hacer de su hijo un genio si aplica los principios modernos de la pedagogía, pero lo único que consigue es que su hijo sea tan desgraciado que se suicida.
Es una dura crítica a la sociología positivista en la que se mezclan lo cómico y lo trágico.

“Niebla”, es una “nivola” según el mismo autor. La obra expone la filosofía unamuniana. En la época literaria que rodeaba a Unamuno, es exigían unos patrones rígidos de procedimiento a la hora de escribir y publicar una novela: temática particular, líneas del tiempo, acción específica, convencionalismos sociales…Un corsé que Unamuno no estaba dispuesto a sufrir; por eso, creó la “nivola”, un nuevo género literario, que sólo tenía que responder a sus propias reglas de estética o composición. (Niebla. Cap. XVII).
Las principales características de las nivolas son : la eliminación de paisajes descriptivos; la acción se concentra en conflictos existenciales de los personajes, los protagonistas reflejan la angustia del autor, predominio de diálogos y monólogos para expresar los pensamientos o temas como el desdoblamiento del
yo y el mito de Caín.
“Niebla” es una obra de madurez en la que convergen los intereses esenciales del autor; el principal, el rechazo vital a una muerte que signifique el final de la existencia, de la vida personal y la ruptura con un patrón determinado de novela procedente de la época del realismo.
Una de las escenas más importantes muestra la confrontación entre el protagonista, Augusto Pérez, con el propio autor, Miguel de Unamuno, revelando el tema de la imposible inmortalidad y la infructuosa lucha del hombre ante tal trágico destino (capítulo XXXI).(pág. )
Augusto se rebela contra su no-existencia. Al final muere y le manda un telegrama a Unamuno en el que le dice: “enhorabuena, se ha salido usted con la suya”. La novela termina con una oración fúnebre a cargo de Orfeo, el perro de Augusto.
“La tía Tula” es una novela que comparte con otras novelas el estilo y las preocupaciones habituales del autor, pero incluye como factor diferencial el erotismo; un erotismo sutil y sólo en escasos momentos explicitado.
Esta novela narra la vida de Gertrudis, también llamada la Tía Tula, y los sacrificios que realiza durante su vida para satisfacer sus ansias de maternidad.
“San Manuel Bueno, mártir” Se centra en la vida modélica del sacerdote rural, D. Manuel, que a pesar de haber perdido la fe, continúa ejerciendo su ministerio por el bien de sus feligreses. (Recuerda el argumento, personajes…)
PIO BAROJA: De origen vasco, tímido y pesimista. Su filosofía se basa en es escepticismo provocado por la crisis de valores de finales del s. XIX y hastío vital producido por la desconfianza en el género humano y el sinsentido de la vida. Entiende el anarquismo como única vía política aceptable.
Baroja considera la novela un género abierto que, como la vida, ha de ser dinámico, ameno y natural. Un “saco donde cabe todo”Sus personajes son inadaptados que luchan contra el ambiente en que viven.
Sus obras nos presentan un proceso de aprendizaje de la vida de sus protagonistas a través de la experiencia y el diálogo. Juega con escenarios, personajes y suspense.
Su estilo claro y sencillo, con un léxico común y adecuado a la situación, frases breves, variado, en el que alternan pasajes líricos y narrativos o disgresiones filosóficas. Entre sus obras destacan las trilogías:
“Tierra vasca”que incluye la obra “Zalacaín, el aventurero” Personaje de acción que lucha por la libertad y la última guerra carlista.
“La lucha por la vida” (trilogía que incluye “La busca”, “La mala hierba” y Aurora roja”. Pág. 174 y 351 y352). Y “La raza” donde se incluye la más conocida “El árbol de la ciencia”.
El árbol de la ciencia . Es una obra de carácter casi autobiográfico. Está dividida en dos partes simétricas (I-III y V-VII) separadas por una larga conversación filosófica entre el protagonista Andrés Hurtado y su tío, el doctor Iturrioz (IV).
En la primera parte se narra la vida como estudiante de medicina de Andrés Hurtado. A través de su familia, profesores, condiscípulos y amistades diversas, Baroja traza una despiadada radiografía de Madrid burgués y proletario de finales del siglo XIX.
En la segunda se nos cuenta la estancia de Hurtado como médico en Alcolea, aprovechada para mostrar la penosa situación del campesinado: caciquismo, ignorancia, desidia, resignación), el retorno a Madrid (destaca aquí el informe redactado sobre la prostitución de la época que se realiza gracias al trabajo de Andrés Hurtado como médico de higiene) y, finalmente, el desgraciado matrimonio con Lulú, chica que conoció en sus tiempos de estudiante.
El intermedio filosófico (IV) descansa en el diálogo directo (es, por lo tanto, radicalmente diferente al resto de la novela, ya que en ella predomina la narración en tercera persona con narrador parcial) y contrapone el pragmatismo anglosajón (defendido por el doctor Iturrioz) al idealismo alemán, que tiene como valedor a Andrés Hurtado.
En el aspecto narrativo cabe destacar:
1. El uso preferente del narrador en tercera persona parcial (pues solo conoce los sentimientos de Andrés Hurtado)
2. La centralización de forma exclusiva a través de Andrés Hurtado
3. La utilización de la narración lineal
4. La riqueza de personajes secundarios -casi todos caracterizados de forma negativa- de entre los que destaca Lulú, personaje ideal (es el único o, al menos uno de los pocos, que no tiene base autobiográfica) que Baroja construye poco a poco: comienza siendo una muchacha aparentemente insignificante y acaba como una mujer de carácter, inteligente y sensible
AZORIN: Es el pseudónimo que empleaba José Martínez Ruiz en su vida profesional de periodista.
• Su obra es una mezcla de novela y ensayo.Destacamos “La voluntad”y “Confesiones de un pequeño filósofo” con frecuentes rasgos autobiográficos, reflexiones filosóficas y descripciones paisajísticas. En su estilo predominan la descripción y el discurso. La recuperación de palabras olvidadas aporta una enorme riqueza léxica a sus textos. (pág. 172) la primera etapa muestra predominio de los elementos autobiográficos y de impresiones suscitadas por el paisaje. El protagonista es Antonio Azorín (del cual tomará su seudónimo), personaje de ficción que se convierte en la conciencia de su creador. Estas novelas son un pretexto para desarrollar las experiencias vitales y culturales del autor. A ella pertenecen La voluntad (1902), Antonio Azorín (1903) y Las confesiones de un pequeño filósofo (1904).
• En la segunda etapa, Azorín abandona los elementos autobiográficos, si bien continúa reflejando sus propias inquietudes en los personajes: la fatalidad, la obsesión por el tiempo, el destino, etc. Una muestra de ello es Doña Inés. (pág.172) .
VALLE INCLÁN:
Es el máximo representante del Modernismo .
Pontevedra (1866-1936),. Su evolución literaria le lleva desde un modernismo elegante y nostálgico hasta una literatura de profundo contenido crítico basado en la distorsión de la realidad. En su obra se pueden distinguir 3 etapas:
-1ª Etapa. Destacan sus “Sonatas”: Cuatro novelas que relacionan las estaciones del año con las diferentes etapas vitales de su protagonista, el marqués de Bradomín (un don Juan , feo, católico y sentimental).”Sonata de Primavera” que relata sus aventuras de juventud, “Sonata de estío” : Se desarrolla en México, donde el marqués tiene una aventura con la niña Chole; “S. de otoño”, Se ambienta en Galicia y cuenta la seducción de una antigua amante, enferma de tisis. “S. de invierno”, muestra la figura derrotada del marqués en Navarra.
– 2ª Etapa de transición:“Tirano Banderas”(sátira de una ficticia dictadura hispanoamericana. Emplea un lenguaje mezcla entre el español peninsular el español de diferentes zonas de América).

-3ª Etapa de los esperpentos. “Los cuernos de D. Froilán”.

E

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